Импрессионизм. Кино, фото, живопись.

Импрессионизм, в отличие от других направлений, вызывает интерес аудитории и по сей день. Почему? Давайте обратимся к теории: импрессионизм в переводе с французского - впечатление. То есть художники рубежа 19 - 20 веков уходили от академизма и искали новые формы изображения реальности, а именно запечатлеть момент, поймать реальность в движении, никакого сюжета и продуманной постановки кадра, только желание передать настроение, свое впечатление от увиденного. Ничем не напоминает заполонившие социальные сети фотографии? Никакой драмы, негатива и социального подтекста; на первый план выходит атмосфера, момент ускользающий жизни и он, безусловно, прекрасен. И чем эта информация может быть мне полезна? С одной стороны, для построения кадра в кино и на фотографии необходимо знать что такое перспектива, свет, композиция. Импрессионисты помимо нечетких контуров и первого впечатления, показали нам как изобразить реальность. Их методы, разработанные в противовес академизму, где нужно было писать библейские мотивы или срисовывать подготовленные натюрморты, как нельзя лучше вписываются в концепцию современности: поймать момент. Вы замечали, что на большинстве фотографий нет историй? Просто лучи солнца или красивый пейзаж, или чашка кофе - все это отголоски импрессионизма. И если уж подавать бессюжетность, то приемы художников - импрессионистов, как нельзя лучше работают на зрителя. Более того, импрессионизм - это не просто метод: это поиск нового. Надоело вам однобокое изображение действительности - смотрите на происходящее под другим углом. Революционный настрой новой волны художников был против классической школы, где был важен пафосный сюжет, прорисовка всех деталей и реалистичность изображения. Импрессионисты считали, что писать нужно полагаясь на чувства, а не на правила. Стоит отметить, что импрессионисты прекрасно знали методы традиционной живописи, что прослеживается в их ранних работах. Но осмысление действительности привело их к желанию писать на открытом воздухе, выйти в город, обратиться к другим жанрам, что в итоге породило новое течение в мировом художественном искусстве. Любимое мною выражение «Я художник, я так вижу», отлично вписывается в концепцию импрессионистов, которую сформировал Камиль Писсарро в своем постулате к молодым художникам. 3. И что это за постулаты? Во-первых, как было написано выше - обращение к чувствам, изображать нужно только то, на что был внутренний отклик. Поэтому импрессионисты рисовали не «мозгами» (передать правильность форм, наложить тени), а скорее «эмоциями». Из этого вытекает второе правило - находить характер. Например, в картинах Дега вы увидите особые качества человека - интересные черты, жесты, мимику, которые художник замечал в буднях парижской жизни и передавал это в легких сюжетах - эпизод скачек, балета, похода в ресторан. Третий момент - у импрессионистов не столько отсутствовал сюжет, сколько он был прост и как бы вырван из потока жизни. Никаких сражений, жертв, оплакивание Иисуса (это свойственно академизму), только современная городская жизнь с ее пейзажами и буржуазным обществом. То есть художники видели сразу весть «кадр» и не прорисовывали сначала одну деталь, потом другую. Отсюда вытекает пятое правило - оттого, что нужно было уловить мгновение и быстро его изобразить, художники сосредотачивались на цвете и форме, но не прорисовывали последнее. Они создавали лишь ощущение, а не некий объект реальности. Если можно в двух штрихах изобразить стол, зачем прорисовывать каждую ножку и пытаться создать фактуру? Импрессионисты считали, что таким образом исчезает воздушность. Не нужно беспокоиться о технике - главное передать чувства. 4. С живописью понятно, но я же не художник. Что там про кино, музыку, литературу? Импрессионизм, как направление искусства, открыли художники, но это не значит,что деятели других видов искусств пытались построить на его методах свое творчество. Если и определять общие черты импрессионизма, как направления в целом, то это скорее уход от академического исполнения. Лучше всего это удалось музыкантам. Оно и понятно - передать чувства через ноты несложно. Клод Дебюсси, Эрик Сати уходили от строгих форм, передавая лишь «Лунный свет» или «Весну». Например, когда я училась в музыкальной школе мы разбирали классические произведения, такие как опера М. И. Глинки «Жизнь за царя», где используя какой-то «магический» слух нужно было догадаться, что вот сейчас Иван Сусанин в лесу. Заблудился…. Музыкальному импрессионизму чуждо было изображать героику. Они, как и художники, были в поисках новых форм, экспериментировали дабы найти свой оригинальный стиль. И эта жажда нового отражается и в литературе, и скульптуре, и в кинематографе. Сейчас подробнее поговорим про кино, так как именно киноимпрессионисты самый неудачный пример этого направления. 5. И что же с кино не так? Если другие представители импрессионизма несмотря на схожий характер с художниками, долго отрекались от этого определения, то историки кино громко прозвали новое течение «киноимпрессионизмом» или «первым авангардом». Зарождалось оно с художниками по одному сценарию: во Франции, с революционным настроем. Кино во время первой мировой войны было очень популярно: Чарли Чаплин, вестерны, мелодрамы - кино успешно справлялось с уходом от непривлекательной реальности в мир грез. Но были и противники пустого, коммерческого кино, американского преимущественно. Молодые парижане - писатели, критики хотели видеть в кино - искусство! Одним из ярких представителей авангарда был Луи Деллюк. Он считал, что кино должно двигаться в сторону мысли героя, а не демонстрировать фактичность его действий. Минимум событий - максимум настроения. Режиссеры играли с формой, искали различные способы показать внутренний мир человека. В итоге излишний психологизм привел к уходу от действительности и полной потери связи с реальностью. Фильмы авангардистов были непонятны и сложны для публики, характеры героев были слабыми, конфликта не было вообще. Режиссеры слишком заигрались с эстетикой и формой, забыв о содержании и самое главное - о своем зрителе. Также одной из проблем киноимпрессионистов критики выделяют игнорирование монтажа, а как известно именно благодаря склейке кадров история приходит в движение (кстати, советская киношкола пошла другим путем и такие режиссеры как Михаил Ромм, Сергей Эйзенштейн стали первыми кто обратился к теории монтажа, тем самым сделав шаг вперед в развитии киноискусства). Некоторые режиссеры и вовсе призывали порвать с литературой и театром, доказывая, что кино должно существовать без слов. 6. Но что-то же взяли кинематографисты от художников - импрессионистов? Иначе почему они так называли себя? Что могли взять режиссеры от импрессионистов? Конечно, они научились строить кадр - выработали основные принципы композиции, изучили световые эффекты, научились «ловить момент». Взгляд живописца - вот что переняли кинематографисты. Луи Деллюк, Жан Эпштейн и другие, разрабатывали способы правильного изображения объекта на экране. Они первые, кто стал работать с ритмом, крупностью плана, чистотой стиля. В доктрине импрессионистов говорится об изображении современного мира, тех событий, которые происходят здесь и сейчас - киноимпрессионисты послушно выполняли это требование. 7. Что было с киноимпрессионистами дальше? Течение «первого авангарда» плавно перешло во «второй авангард» - 1924 - 1930 гг, который в поисках «чистого киноискусства» пошел дальше - никакого сценария, а значит и сюжета; можно обойтись и без актеров, а если просто не изображать реальный мир? Привет, сюрреализм! Кстати, музыкальное сопровождение к некоторым фильмам режиссеров «второго авангарда» (Рене Клер, Луис Бюнюель, Жан Вино) писал Эрик Сати - музыкант - импрессионист. Но это уже другая история. 8. И какой из всего этого можно сделать вывод? Учиться на ошибках, (а возможно и не ошибках) великих художников - бесценно. Опыт импрессионистов показал, как картина без точных форм и содержания, может влиять на людей, а также как кино не может существовать без героев, конфликта и истории. Исключением, пожалуй, являются лишь работы некоторых режиссеров Японии и Южной Кореи, где в изображение вплетается восточная философия. Чему мы можем научиться у импрессионистов, если снимаем кино? Ловить реальность. Смотреть как с художественными приемами работает Ларс фон Триер, Терренс Малик, Андрей Тарковский. Кино - это же история в картинках, так почему бы не поучиться у гениев строить повествование на изображении? (это отсылка к проблеме диалогов и слишком большой «описательности» в сценариях). о студийном и натуральном свете, фотогеничности кадра и актеров. Некоторые отрывки из книги я привожу ниже (сама книга есть в открытом доступе в интернете). «Локомотив, океанский пароход, аэроплан, железная дорога – точно так же, по самому характеру своей структуры, фотогеничны. Всякий раз, когда на экране бегут кадры “кино-правды”, показывающие нам движение флота или корабля – зритель вскрикивает от восторга. В конце концов, наши режиссеры поняли, что это нравится. Сколько еще нужно времени, чтоб они поняли, что это нравится потому, что это фотогенично». «Наш глаз видит туманный контур, неясные очертания. Экран не имеет права видеть этого. Странно. В кино все очертания должны быть четки. О, логика! Ибо во имя этой логики свершаются все ошибки света и фотографии, окутывающие все наши картины каким-то сплошным абсурдом. <…> Конечно, наш глаз сомневается иногда в устойчивости видимой им в дали колокольни, парохода на горизонте или береговой полосы, слишком близкой к нам. А благодаря этому, живопись построила тысячи своих лучших образцов искусства». «Зритель смотрит на фильму, как на нечто абсолютное, т.е. вне времени, вне происхождения, вне диалекта. Если вы его принудите слышать, что такая-то драма снята на английском, или итальянском, или французском – он будет недоволен» .

Источник